The Planets – Gustav Holst – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.011

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Podcast El Arte de Escuchar

Vamos a hablar de Los Planetas, de Gustav Holst, una de las piezas favoritas del público en general, pero que la crítica detesta.

 

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Gustav Holst (1874-1934) - The Planets (1918)
Gustavus Theodore von Holst nació en Cheltenham, cerca de Gales. Estudió en el Royal College of Music de Londres.
Quiso ser concertista de piano, pero tuvo una infección en su brazo derecho. Estudió composición con un tal Standford, que dijo de Holst que era muy trabajador, pero para nada brillante.
Trabajó en St Paul's Girls' School al oeste de Londres, pionera en educación musical para mujeres, desde 1905 hasta su muerte, en 1934. También tocaba el trombón profesionalmente. Era un compositor de fin de semana, y de períodos de vacaciones.
Su hija: Imogen Holst (1907-1984) es su Gustav Holst
GUstav Holst no creía que Los Planetas fuera su mejor obra.

Los Planetas (1918), suite en 7 movimientos:

  1. Marte, el portador de la guerra.
  2. Venus, el portador de la paz.
  3. Mercurio, el mensajero alado.
  4. Júpiter, el portador de la alegría.
  5. Saturno, el portador de la vejez.
  6. Urano, el mago.
  7. Neptuno, el místico.

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Gustav Holst

Gustav Holst (1874-1934) - The Planets (1918)

Episodio de transición – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.010

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Hoy tenemos un episodio de transición, volviendo a tomar el ritmo de publicación. Lo importante es que El Arte de Escuchar está de regreso.

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Mencionamos a:

  • Tchaikovsky, Sinfonía N4 en fa menor Op.36
  • Tchaikovsky, Concierto para Violín en re mayor Op.35
  • Mozart, cosi fan tutte
  • Curso de Las Sinfonías de Beethoven, en el Instituto Legislativo de Capacitación Permanente de la Legislatura Porteña

 

 

 

 

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Concierto para Piano en sol mayor – Ravel – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.009

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Charlamos acerca de Maurice Ravel y de su Concierto para Piano en sol mayor

 

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Concierto para Piano en sol mayor (1932) - Maurice Ravel (1875-1937)

 

Vamos a empezar tratando de descubrir qué hay de interesante para escuchar en la Concierto Para Piano en Sol de Maurice Ravel (1875-1937). Si es cierto que el Concierto en Sol es un ejemplo del impresionismo musical, se trata de un impresionismo tardío, porque fue compuesto entre 1929 y 1931, cuando las vanguardias ya miraban hacia otros horizonte. Sea como fuera, este Concierto tiene ocultas algunas sorpresas.

1er movimiento - Allegramente
En cuanto empieza el concierto escuchamos un latigazo. Tal vez sea Ravel llamando la atención de la audiencia: apaguen los celulares, el concierto está empezando; o tal vez sea el castigo para quienes han desperdiciado sus oídos con esas horribles músicas ambientales que suelen recomendar en publicaciones como esta.

Inmediatamente después tenemos una melodía del pícolo sobre unos arpegios (las sucesivas notas del acorde) en el piano, algunos violines y algo de percusión metiéndonos en la atmósfera que nos propone el concierto. Pero no es tan simple, estamos en el estreno del concierto en 1932 y necesitamos algo que despierte nuestro interés. Bueno, mientras la mano derecha del pianista y la mitad de los violines están tocando el arpegio del acorde de sol (la tonalidad anunciada en el nombre del concierto) la mano izquierda del pianista y la otra mitad de los violines están un semitono más abajo, en fa sostenido. Es como si la melodía sobresaliera de una imagen fuera de foco (nótese que este fenómeno se da en las notas agudas; si Ravel hubiera intentado esto con notas más graves, el resultado hubiera sido otro).

Esa melodía y la orquesta crecen en intensidad y cuando creemos que el concierto está arrancando con toda la fuerza, la música baja en intensidad y queda el piano solo, haciendo unos jueguitos algo jazzeros. Responden los vientos, primero con 2 frases, después con 3 frases.

La acción va disminuyendo cada vez más hasta casi detenerse. Aparece una nueva melodía en el piano, pero es como si le costara nacer, con irregularidades en el tiempo. La melodía se completa con la orquesta y antes de desvanecerse, el piano vuelve a ganar velocidad. Rápido esta vez, es una variación de la melodía que habíamos escuchado 2 minutos antes en el principio del concierto.

El piano va creciendo, generando cada vez mayor tensión, y de nuevo, cuando nuestra expectativa es grande, Ravel nos lleva al principio, pero sin el látigo esta vez. Ahora aquel pasaje de piano solo con sonido jazzero es mucho más suave, con pequeñas arpas y campanillas. Esa paz a la que hemos llegado se interrumpe por algo que parece un fuerte silbato (acompañado por la orquesta) y nos hace pensar que Ravel debe haber compuesto alguna parte de este concierto mientras viajaba en tren. Entonces la melodía vuelve al piano, a la mano izquierda, mientras la mano derecha hace trinos (un juego entre dos notas que va cambiando de altura) y es como si ahora estuviéramos en un circo y un payaso estuviera tocando un serrucho (quien haya escuchado algo así alguna vez notarán el parecido).

La melodía ahora es más grande, llevada por la orquesta y acompañada por el piano. Entonces la orquesta se hace a un lado y el piano comienza la carrera hacia el final de la obra. La orquesta vuelve a aparecer y terminan todos juntos con una gran variación de lo que habíamos escuchado al principio del movimiento.

2do movimiento - Adagio
Después de una carrera tan vertiginosa, necesitamos un descanso, algo tranquilo. El piano solo hace una hermosa y larga melodía. Es interesante notar cómo mientras la mano izquierda acentúa 1 cada 3 tiempos, la mano derecha acentúa cada 2 tiempos. Esta diferencia nos sorprende con algunos acentos allí donde no los esperábamos o la ausencia de acentos allí donde sí los esperábamos. La melodía pasa a la flauta, después al corno inglés y crece; aparecen las cuerdas y otros vientos. Cuando la flauta termina su frase y la melodía vuelve al piano, la música se oscurece. La orquesta crece mientras el piano derrama unas hermosas notas rápidas que nos llevan al oscuro climax del movimiento. Desde los ecos del climax, el goteo del piano y las cuerdas seguimos la melodía del corno inglés que nos lleva hacia la larga cadencia y el prolongado (casi demorado) final.

3er movimiento - Presto
El último movimiento arranca de manera parecida al primero, con un llamado de atención que Ravel repetirá 6 veces (con variantes) para delimitar secciones. Sigue una especie de carrera alocada del piano a la que se le superponen varios vientos que aparecen sucesivamente. Esos vientos hacen una melodía que arranca con una nota grave que se estira hacia el agudo, al estilo del clarinete de la Rhapsody in Blue de Gershwin (1924) pero sin lograr alcanzar la nota correcta. Gershwin, ya consagrado, había estudiado con Ravel y este tal vez sea el homenaje del maestro al alumno, ¿o tal vez la burla?

Después del quinto llamado (que aparece antes de los 2 minutos) parece que llegamos a un prematuro y breve cielo y sigue un pequeño pasaje oscuro. Luego hay una larga carrea donde las melodías de los diferentes instrumentos aparecen en lo que podrían ser las notas equivocadas, fuera de escala (¿Ravel sigue burlándose de alguien o de sí mismo?). De a poco, pero siempre a gran velocidad, las cosas se van acomodando y súbitamente llega el final.

El final es una pequeña genialidad de Ravel: si en el segundo movimiento el final fue demorado, en este último movimiento el final es prematuro. Comparando los tres movimientos, el tercero dura cerca de la mitad de tiempo que cualquiera de los otros dos. El final es la repetición del llamado de atención con el que comienza el movimiento; es como si Ravel insinuara que va a venir una repetición con variaciones, algo bastante previsible dadas las proporciones de los tres movimientos. Pero no, la cosa termina así, y uno se queda con las ganas de escuchar algo más. El acto reflejo ante esta necesidad insatisfecha es ponerse de pie sobre la butaca, aplaudir y gritar “¡Bravo Maestro!”

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Concierto para Piano en sol mayor (1932) - Maurice Ravel (1875-1937)

Concierto para Piano en sol mayor (1932) - Maurice Ravel (1875-1937)

 

Sinfonía N5 en re menor, op 47 – Shostakovich – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.008

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Charlamos acerca de Dmitri Shostakovich y del momento en que su vida dependía de su Sinfonía N5 en re menor, op 47

 

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Sinfonía N5 en re menor, op 47 (1937) - Dmitri Shostakovich (1906-1975)

 

Shostakovich se queja porque la gente entiende la música. "Debería ser al revés, pero acá está todo dado vuelta". Le sacaba las ganas de componer. Los censores hacían estadísticas acerca de cuántas obras están en menor y cuantas en mayor. Con la guerra, el dolor se volvió común a todos y eso trajo cierto alivio.

Solomon Volkov - Testimony

Formalismo. Aquello que no reflejara el heroísmo de la clase trabajadora soviética.
1936: luego del artículo de Pravda titulado "Embrollo en lugar de música" que terminaba con "es un juego que puede terminar muy mal..", Shostakovich esperaba ser arrestado y asesinado.

Yurodivy: figura rusa que surge hacia el Siglo XV. Es el idiota del pueblo, un anarquista individualista que se impone sus propios límites. Puede exponer cosas y estar relativamente seguro.

Programa de la 5ta sinfonía: "Una larga lucha espiritual, coronada con la victoria"
Shostakovich describió su música al partido como alegre y optimista.
La quinta sinfonía es directa, más simple que la 4ta y que Lady Macbeth.
Dijo el poeta polaco Czeslaw Milosz: "Shostakovich elimina los lujos emotivos. Es música simple que surge de la necesidad."

1937 es uno de los momento de Terror en Rusia. Fue estrenada en 1937 en Leningrado. Shostakovich: "Todos dicen que no sabían lo que estaba pasando, pero lloraron esa noche."

Hacia el final, durante el cuarto movimiento, la gente se fue poniendo de pié. Cuando terminó, hubo una ovación.
Mstislav Rostropóvich cuenta que la gente aplaudió casi una hora. "La gente corría por las calles, se abrazaban y se felicitaban por haber sido testigos. Habían entendido el llanto, el terror. Reconocían a la víctima intentando sonreír en medio del dolor. El que cree que el final es glorificación, es un idiota."
En medio de la ovación, el director, Yevgeny Mravinsky, levantó la partitura sobre su cabeza.

La sinfonía habla del terror.

En occidente no se apreció el valor de la sinfonía y el coraje de Shostakovich. "Aquellos que tienen oído, escucharán" dijo el autor.

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Dmitri Shostakovich

Dmitri Shostakovich (1906-1975) - Sinfonía N5 en re menor, op 47 (1937)

 

Concierto para Violín en re mayor Op.35 – Tchaikovsky – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.007

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Charlamos acerca de Piotr Ilich Tchaikovsky, de su Concierto para Violín en re mayor Op.35

 

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Concierto para Violín en re mayor Op.35 (1878) - Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893)

  • El Grupo de los cinco
  • El Nacionalismo
  • Carácter sexual de la música
  • Interpretación

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Tchaikovsky y Kotek

Tchaikovsky y Kotek

 

Sinfonía N4 en fa menor Op.36 – Tchaikovsky – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.006

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Charlamos acerca de Piotr Ilich Tchaikovsky, de su Sinfonía N4 y de sus mujeres

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Sinfonía N4 en fa menor, op. 38 (1877) - Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893)

  • Tatyana, Antonina, and Nadezhda
  • Eugene Onegin.
  • La lucha contra el destino.
  • Beethoven

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Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893)

Sinfonía N5 en do menor, op. 67 – Beethoven – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.005

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Charlamos acerca de Ludwig van Beethoven y de su Sinfonía N5 en do menor, op.67

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Sinfonía N5 en do menor, op. 67 (1808) - Ludwig van Beethoven (1770-1827)

  • El surgimiento de la sinfonía
  • Los primeros conciertos importantes son de origen italiano.
  • El concierto todavía mantiene una relación con la ópera, oponiendo a un personaje con su entorno. La sinfonía es, en principio, abstracta, sin mucho más que la música.

Algunas sinfonías pre Beethoven:

  • Johann Sebastian Bach (1685-1750): Concierto de Brandemburgo N3 en sol mayor (1721)
  • Giambattista Sammartini (1700-1775): Sinfonía N 32 en fa mayor para cuerdas (1744)
  • Joseph Haydn (1732-1809): Sinfonía N77 En Si bemol mayor (1782)
  • Joseph Haydn (1732-1809): Sinfonía N88 en sol mayor (1787)
  • Wolfgang Mozart (1756-1791): Sinfonía N40 in sol menor K550 (1788)
  • Wolfgang Mozart (1756-1791): Sinfonía N41 en do mayor K551 ("Jupiter") (1788)
  • Wolfgang Mozart (1756-1791): Sonata para Piano en re mayor K576 (1789)
  • Joseph Haydn (1732-1809): Sinfonía N104 en re mayor ("Londres") (1795)

La 5ta sinfonía es un ejemplo de la creencia de Beethoven en la expresión del artista y demuestra su abordaje revolucionario hacia la composición. El uso contextual de la forma, el desarrollo motívico, y lo más importante tal vez, su visión de la música como una narración dramática que avanza. El uso del ritmo separado de la altura y la búsqueda de la originalidad.

4 períodos compositivos:

  • Juventud: Antes de mudarse a Viena en 1792.
  • Período Vienes (1792–1802) - > Clásico, al estilo de Mozart y Haydn (aunque marcando una fuerte personalidad)
  • Período Heróico: (1803 - 1815): la revolución expresiva de Beethoven. Compuso sus sinfonías 3 a 8, concierto para piano 4 y 5, concierto para violín, y fidelio (leonore)
  • Último Período (1816–1827): Sus últimas 5 sonatas para piano, Sinfonía N9, la Missa solemnis, las variaciones Diabelli para piano, y sus últimos 6 cuartetos de cuerda, escritos cuando estaba absolutamente sordo, aislado física y emocionalmente, mal de salud.

La música es una forma de expresión personal y era el mejor momento para la aparición de ese sentimiento: la ilustración:
La Revolución Francesa provocó un cambio en el espíritu social y el cambio político.
Napoleón revolucionó la política, la sociedad y la economía. Todo ello promovió la expresión personal.
La originalidad es un objetivo en sí mismo. Hay 9 sinfonías de Beethoven, 41 de Mozart y 104 de Haydn

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Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Sinfonía N5 en do menor, op. 67 (1808)

 

Concierto para piano en do menor N24 (K491) – Mozart – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.004

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Charlamos acerca del Concierto para piano en do menor N24 K491 (1786) de Wolfgang Mozart (1756-1791)

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Wolfgang Mozart (1756-1791) - Concierto para piano en do menor N24 K491. (1786)
Mozart es el dramaturgo musical más grande de la historia. La ópera y el concierto.
Johann Christian Bach fue maestro de Mozart.
Wolfgang Mozart conoció a Johann Christian Bach (29 años) durante su estadía en Londres de 18 meses entre 1764 y 1765, cuando tenía apenas 8 años. Mozart encontró en la música de Johann Christian Bach una guía, en particular, para la composición de conciertos.
Contexto:
Para 1770, Mozart ya se consideraba como pianista. En Viena tocaba exclusivamente el piano.
Mozart se muda a Viena en 19781 y vive los últimos 10 años de su vida allí.
Es popular. Compone 17 conciertos para piano, todos obras maestras. Su ingreso principal era la venta del abono a estos conciertos. Entre 1782-1786 compone 14 conciertos para piano, y es muy exitoso. En 1786, el éxito empieza a caer. Compone el concierto en do menor mientras compone la ópera "Las Bodas de Fígaro", y algunos autores señalan que burlarse de la aristocracia empezó a jugarle en contra. En ese contexto compone y presenta este concierto (es el 14º desde su arribo a Viena). Es extraño un concierto en modo menor.
La orquesta nos presenta un panorama hostil.
La música es complicada, moderna, dramática, excede los límites del estilo clásico.
Instrumentación: Mozart convoca a una orquesta de tamaño sinfónico para el concierto. No va a permitir que la orquesta tape al piano. Cuando suena el piano, la orquesta es más sutil, pero cuando no suena, la orquesta tiene un despliegue, un sonido sinfónico.
II El segundo movimiento es Larghetto; lento. El piano toca el tema 3 veces (parcialmente) y la orquesta contrasta. Las maderas tienen un rol central. Es una especie de meditación entre los opuestos que están conviviendo.
III El tercer movimiento es Allegretto,; rápido pero no tanto. Es un tema con variaciones. Una especie de marcha.
Glenn Gould dice:
Es el último movimiento que tiene el Mozart de nuestros sueños. Aquí, en un grupo de variaciones supremo, hay una estructura que va pasando de variación en variación, Mozart alcanza de forma brillante la forma de fuga cromática que en sus estados de ánimo filosóficos ansiaba abrazar.
Hacia 1798, Beethoven trabajaba en unos bosquejos de un nuevo concierto para piano. Durante un ensayo del Concierto para Piano en do menor K491 de Mozart, en el Palacio de Augarten (en Leopoldstadt, a las afueras de Viena) Beethoven caminaba junto al pianista y compositor Johann Cramer. De repente, Beethoven se detuvo ante el simple y hermoso motivo musical introducido hacia el final de la pieza y exclamó: “¡Cramer, Cramer nunca seremos capaces de hacer nada como eso!”

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Mozart

Wolfgang Mozart (1756-1791) - Concierto para piano en do menor N24 K491 (1786)

 

Las Variaciones Goldberg – JS Bach – Glenn Gould – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.003

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Charlamos acerca de Johann Sebastian Bach, Las Variaciones Goldberg y Glenn Gould

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) - Variaciones Goldberg (BWV 988) (1741) - Glenn Gould (1932-1982)

El Arte de Escuchar - Episodio 003
Taller de música, para músicos y no músicos.

  • Denominada originalmente por el autor Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados.
  • Las Variaciones Goldberg fueron publicadas en 1741 o 1742, el mismo año de su composición, en vida de su creador, lo cual no era habitual.
  • La variaciones consisten en un tema (aria), 30 variaciones, y la repetición del aria.
  • Son 32 miniaturas.
  • Cada variación tiene 4 frases (A-A-B-B).
  • Bach agrupa las variaciones de a 3. 10 trinidades.
  • Un nivel macro podemos dividir dos grupos de 15 variaciones.
  • El tema de las variaciones no es una melodía, es un bajo la armonía que genera.
  • 10 trinidades. 1º variación de cada trinidad (1, 4, 7, 10, 13, etc) una danza, salvo excepciones que le dan un caracter especial (por ejemplo, var. 16). Son melodiosas. 2º (2, 5, 8, 11, 14, etc) Tocata: virtuosismo. 3º Canones (3, 6, 9, 12) Imitación polifónica. La segunda voz del canon comienza cada vez una nota más lejos de la primera nota del canon. Var 3 es unísono, Var 6 es 2da, Var 9 3ra, etc. El canon al unísono es La unidad, la completitud, un atributo de dios. El canon en segunda es la disonancia del otro. El canon en 3ra es la consonancia de la trinidad. Etc.
  • Canon a la 5ta, Var15. Primera variación en menor. Misteriosa. Es el cierre de la primera mitad de la obra.
  • Repetición del Aria: la partitura es exactamente la misma, pero no suena igual. Ni el pianista ni nosotros somos los mismos después de haber conocido y vivido todo este viaje. Ahora escuchamos todo lo que no pudimos escuchar al comienzo de la obra. Somos más viejos, somos más sabios. Todo cerró, estamos de regreso. Ahora podemos ir a dormir.

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Bach

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

 

glenn-gould

Glenn Gould (1932-1982)

 

El Arte de Escuchar – Podcast – EP 002: Rufus Wainwright – Want One

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Analizamos el disco Want One de Rufus Wainwright (2003)

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Los temas del disco son:

  • Oh What a World (4:23)
  • I Don't Know What It Is (4:51)
  • Vicious World (2:50)
  • Movies of Myself (4:31)
  • Pretty Things (2:40)
  • Go or Go Ahead (6:39)
  • Vibrate (2:44)
  • 14th Street (4:44)
  • Natasha (3:29)
  • Harvester of Hearts (3:35)
  • Beautiful Child (4:16)
  • Want (5:11)
  • 11:11 (4:27)
  • Dinner at Eight (4:33)

Want One, Studio album by Rufus Wainwright
Released: September 23, 2003
Recorded: The Maid's Room (NYC), Bearsville Studio A, Loho Studios (NYC), Looking Glass Studios (NYC) and The Strongroom (London)
Genre: Pop
Length: 62:31
Label: DreamWorks
Producer: Marius de Vries

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Rufus Wainwright - Want One

Rufus Wainwright - Want One (2003)